Démarche
Mon espace pictural abrite souvent des hybridations : humain/animal, organique/géométrique, familier/inusité. J’explore à l’aide de différents médiums : peinture, estampe, textile, art numérique et installation. Mon approche conjugue art contemporain et arts traditionnels pour former un corpus d’œuvres intimes qui examine ce qui constitue l’essence de l’humain, son identité, sa place dans le monde vivant. Ayant pratiqué la médecine pendant 15 ans, mon intérêt pour la richesse et la complexité de l’expérience humaine se poursuit naturellement dans mon travail artistique; je tente d’amalgamer mes différentes expériences pour livrer un point de vue qui m’est propre. Je cherche à comprendre les relations entre le corps, la psychologie et la société en étudiant les influences de la culture, des découvertes scientifiques, de l’Histoire et de la politique sur notre perception de la nature humaine. Qui sommes-nous ? Quel est notre rapport à l’Autre ?
Les thèmes qui m’animent sont ceux qui remettent en question l’existence d’un patrimoine propre à l’être humain. Ainsi, les symboles, les croyances, la littérature, les mythes, les rêves et les contes nourrissent ma recherche et ma réflexion. Le dessin de modèle vivant demeure mon déclenchement privilégié. Je garde tous les dessins que je fais lors de ces séances et je les utilise dans mes œuvres car il est important pour moi d’honorer ces « morceaux de soi » qu’ont donnés les modèles avec générosité.
Biographie
Originaire de St-Nicéphore, Isabelle Roby habite Rouyn-Noranda. Détentrice d’un certificat en arts plastiques et en production artistique et d’un microprogramme de deuxième cycle en pratiques artistiques contemporaines à l’Université du Québec en Abitibi-Témiscamingue. Elle a reçu des reconnaissances, notamment en étant finaliste du prix Albert-Dumouchel de la relève en arts imprimé en 2021 et en étant sélectionné pour le Prisma Art Prize à Rome. Son travail a notamment été exposé à l’échelle internationale lors de la 11e Biennale internationale de gravure au Portugal. On a également pu voir son travail, entre autres, au Centre d’Exposition de Val d’Or, au Centre d’exposition d’Amos, à la Galerie du Rift (Ville-Marie, QC), à la Maison des Arts (Drummondville), au MA Musée d’Art (Rouyn-Noranda).
Ses œuvres se retrouvent à la Banque et archives nationales du Québec et dans plusieurs collections privées.
C.V.
Formation
- 2021 en cours- Certificat multidisciplinaire-Création et nouveaux médias, UQAT, Rouyn-Noranda, QC, Canada
- 2023 Microprogramme de 2e cycle en pratiques artistiques contemporaines, UQAT, Rouyn-Noranda, QC, Canada
- 2021 Certificat en production artistique, UQAT, Rouyn-Noranda, QC, Canada
- 2019 Certificat en arts plastiques, UQAT, Rouyn-Noranda, QC, Canada
- 2005 Microprogramme de 2e cycle en art-thérapie, UQAT, Rouyn-Noranda, QC, Canada
- 1991 Doctorat en médecine, Université de Sherbrooke, Sherbrooke, QC, Canada
- Perfectionnement
- 2019 Formation en estampe, Centre de la Gravure et de l’image imprimée, La Louvière, Belgique
- 2019 Formation en lithographie sur plaques de polyester, Atelier Les Mille Feuilles, par Joanne Poitras.
- 2017 Compagnonnage en linogravure, lithographie sur plaque de polyester, et collagraphie , Atelier Mille Feuilles, Rouyn- Noranda, Louis Brien.
- 2017 Formation en lithographie sur plaque de polyester par Joanne Poitras. Atelier les Mille Feuilles. Rouyn-Noranda, QC.
- 2016 Ateliers de coaching en peinture avec Martine Savard, Musée d’ Art Rouyn- Noranda, QC.
- 2016 Ateliers de dessin-Modèles vivants avec Martine Savard, Musée d’Art, Rouyn-Noranda, QC
- 2016 Écrire de la fiction. Formation donnée, avec Michèle Plomer, Rouyn-Noranda, QC.
- 2004-2006 Cours de peinture à l’huile avec Diane Auger, Rouyn-Noranda, Qc.
- 2005 Semaine intensive de formation en encaustique avec Julie Desmarais, École des Beaux-Arts Rosa Bonheur, Palmarolle, QC.
Exposition solo
- 2021 Pièces détachées. Galerie d’art contemporain Céline J. Dallaire, Rouyn-Noranda, QC, Canada.
- 2021 23h59. Atelier les Mille Feuilles centre d’art imprimé, Rouyn-Noranda, QC, Canada.
- 2018 Groupe au diapason, Centre diocésain de formation, Rouyn-Noranda, QC
Expositions collectives
- 2023 Espac.es témoins. L’Écart, lieu d’art actuel, Rouyn-Noranda, QC, Canada
- 2023 11e INTERNATIONAL PRINTMAKING BIENNIAL. Douro, Portugal. Sur invitation
- 2022 Petits formats. Maison & Jardins Antoine Lacombe, QC, Canada
- 2022 À la rencontre de trois visions. Galerie Au 123, Rouyn-Noranda, QC, Canada
- 2021 Le noir de l’encre. Centre d’exposition d’Amos, QC. Canada.
- 2021 Première impression, Finaliste pour le Prix Albert-Dumouchel pour la relève 2021. Arprim, centre d’essai en art imprimé, Montréal, QC, Canada
- 2021 Prisma Art Prize. Italie. Jury.
- 2020 Mémoires et médiations, Galerie du Rift, Ville-Marie, QC, commissaire : Martin Beauregard
- 2020 Matrices d’elle-même II, Centre d’art Rotary, La Sarre, QC.
- 2019 Mille Constellation, Centre d’exposition d’Amos, QC.
- 2019 Matrices d’elles-mêmes, Commissaire : Yolaine Lefebvre, Centre d’exposition d’Amos, QC.
- 2019 De la lumière, tout près, MA, Musée d’Art de Rouyn-Noranda, QC.
- 2018 Matrices d’elles-mêmes, Commissaire : Yolaine Lefebvre, Centre d’exposition de Val d’Or, QC
- 2018 Les ateliers créatifs s’exposent, MA, Musée d’Art de Rouyn-Noranda, QC.
- 2018 Modèles vivants en stéréoscopie. Duo. Galerie La Fontaine des Arts. Rouyn- Noranda, QC.
- 2016 Exposition des étudiants en coaching en peinture, Musée d’Art, Rouyn-Noranda, QC.
Événements
- 2023 12E Internationale d’art miniature. Centre d’exposition Louise-Carrier, Lévis, QC, Canada. Jury
- 2021 11E Internationale d’art miniature. Centre d’exposition Louise-Carrier, Lévis, QC, Canada. Jury.
- 2018 Biennale internationale d’art miniature, Ville-Marie, QC.
Encan et expo-ventes
- 2019 Parle-moi d’amour, Exposition-bénéfice, Maison des arts, Drummondville, Qc.
- 2018 100$ du pied carré. Exposition-bénéfice de L’Écart, lieu d’art actuel, Rouyn-Noranda, QC.
- 2017 100$ du pied carré. Exposition-bénéfice de L’Écart, lieu d’art actuel, Rouyn-Noranda, QC.
Conférences/tables-rondes/rencontres avec le public
- 2018 Conférencière invitée dans le cadre d’un cours d’initiation à l’art- thérapie, UQAT, Rouyn-Noranda, QC.
Memberships
- Membre du Conseil de la Culture de l’Abitibi-Témiscamingue
- Membre de l’Écart, lieu d’art actuel, Rouyn-Noranda, QC.
- Membre du Musée d’Art, Rouyn-Noranda, QC.
Œuvres
Tombée au fond
Linogravure plaques multiples.
2021
31 x 41 cm (12 x 16 po)
« Tombée au fond » est une pièce semi-abstraite expressive qui capture l’essence dynamique du mouvement. L’œuvre centralise une figure assise sur un coussin représentant la mer, orné de motifs tourbillonnants et de petits poissons. La silhouette, vêtue d’un haut rouge, d’un short jaune et de bottes noires, respire l’énergie avec les jambes levées et pliées au niveau des genoux, une jambe emmêlée dans une corde tirant vers le haut. La tête du personnage est représentée par des lignes griffonnées. L’arrière-plan est vivant avec des traits expressifs et énergiques et des touches de noir et d’autres couleurs, contribuant à la sensation vibrante et dramatique de la pièce. L’inspiration pour cette pièce vient d’une fascination pour la fluidité du mouvement et l’interaction des couleurs et des formes. C’est la capture d’un moment à la fois spontané et méticuleusement conçu, un instantané d’énergie figé dans le temps.
Le processus de création unique impliquait plusieurs plaques de linogravure pour faire ressortir méticuleusement sept couleurs distinctes.
Mille constellations
L’astrologie peut être vue comme une manière d’expliquer le monde, de donner un sens, de tenter d’avoir une prise sur sa vie.
Cette série est un prétexte pour mettre en scène des personnages aux prises avec les caractéristiques iconographiques de chacun des douze signes du zodiaque.
Le mélange de postures contemporaines et de symbolique astrologique traditionnelle créée une atmosphère à la fois étrange et familière.
Livre d’artiste. Impressions en linogravure et chine collé. Coffret fait main.
Exposition:
Mille constellations. Centre d’exposition d’Amos, QC. Canada. 06/2016
Troublante assistance
Acrylique sur papier marouflé sur panneau de bois. 41 x 30.5 cm (12 x 18 po). 2018
crédit photo: Cesar Vianna
Cette oeuvre représente un grand personnage vert sous l’eau. Les coups de pinceau expressifs capturent la fluidité et le mouvement de l’eau. L’utilisation de nuances de vert et de bleu crée une expérience dynamique et immersive, mettant l’accent sur les jeux de lumière et les qualités ondulantes de l’eau. Le bonnet de bain ajoute une touche d’obscurité, faisant allusion à la profondeur et à l’ombre sous la surface de l’eau. Ce nageur dont nous n’apercevons que les jambes ne se doutera jamais de la puissance de sa protectrice marine.
Ariane
Broderie à la main et à la machine sur papier Artistico. 71 x 51 cm / 28 x 20 ou. 12-2023
Ariane se tient seule à l’entrés d’un labyrinthe numérique et tient Thésée au bout du fil de ses réseaux sociaux. Cette pièce explore l’intersection de la mythologie grecque et des thèmes contemporains, mettant en scène une figure stylisée se tenant avec confiance dans un monde numérique fragmenté. Le contraste entre les textures et l’utilisation d’éléments symboliques invite les spectateurs à réfléchir sur l’identité, la transition et la connexion dans la société d’aujourd’hui.
Pensées gelées
Broderie sur papier. 46 x 30 cm / 18 x 12 po. 2024
« Pensées Gelées » est une pièce saisissante et stimulante qui captive le spectateur par ses détails complexes et son symbolisme émotif. La représentation de bottes effilochées ressemblant à des racines transmet un sentiment de peur et d’immobilité paralysante, tandis que le contraste du noir et blanc avec les motifs de flocons de neige d’un bleu intense évoque un sentiment de solitude hivernale. La posture introspective du personnage invite à la contemplation sur les luttes de l’individualité et la confrontation des peurs.
L’ange enchainé
Acrylique sur toile. 91.5 x 76 cm. 2017
« L’ange enchaîné » est une peinture représentant une scène surréaliste se déroulant dans un restaurant. La palette de couleurs, avec son contraste saisissant entre les blancs éclatants et les rouges profonds, attire le regard sur les sept personnages intrigants représentés dans la composition. D’un groupe engagé dans une conversation autour d’un repas à un personnage pris dans un moment d’introspection ou de vanité, chaque personnage raconte une histoire unique qui invite à l’interprétation. La représentation stylisée des personnages ajoute une couche de mystère et d’intrigue à l’œuvre d’art. Inspiré d’un rêve, ce tableau offre un aperçu d’un monde où un ange est retenu captif parmi des figures étranges et énigmatiques.
C’est personne qui m’a fait ça ( dit le cyclope)
Dessin encre de Chine marouflé sur panneau avec encaustique et fil à broder, 20.3 x 25.4 cm, 2018
crédit photo: Cesar Vianna
Entrez dans un monde de mystère et d’intrigues avec cette œuvre d’art captivante. Une figure humanoïde, rendue dans des tons de gris et de bleu, est assise sereinement sur des rochers déchiquetés, le visage caché, à l’exception sanglant. L’arrière-plan, une mer texturée de jaune, ajoute de la profondeur et de la dimension à la scène, créant une atmosphère énigmatique et surnaturelle. Cette peinture, créée à l’aide de l’ancienne technique de l’encaustique, dégage une émotion brute et une énergie expressive, attirant le spectateur par ses traits audacieux et gestuels.
Cette œuvre est inspirée des contes intemporels de la mythologie grecque. Ulysse s’aventure dans la grotte du cyclope Polyphème, qui dévore deux de ses compagnons à chaque repas. Pour s’échapper, Ulysse trompe intelligemment le Cyclope en le saoulant et en le convainquant qu’il s’appelle « Personne ». Il aveugle ensuite le Cyclope en plongeant un pieu enflammé dans son œil unique, le laissant définitivement aveugle. Lorsque les autres Cyclopes lui viennent en aide et lui demandent qui lui a fait du mal, les Cyclopes ne peuvent que crier « Personne ! », les amenant à l’abandonner à son sort. Cette pièce résume les thèmes de la ruse, de la survie et des conséquences de la tromperie.
Tombée de la lune
Collection privée, dessin encre de Chine marouflé sur panneau avec encaustique, 30.5 x 30.5 cm, 2018
Cette peinture abstraite présente une figure dans une pose inclinée avec des membres allongés, rendue dans des tons terreux et sourds avec des notes de bleu, de marron et de blanc. La lune apparaît au-dessus de la figurine dans des jaunes et des oranges vibrantes, sur un fond vert olive texturé. Créée à l’aide du médium encaustique, cette pièce explore les thèmes de la chute d’un monde lunaire et de la contemplation existentielle.
Naissance d’une fée.
Encre, pastel et collage de fil sur papier BFK Rives.
56 x 76 cm.
2018
Cette pièce minimaliste et abstraite capture le moment délicat de la naissance d’une fée à travers une figure humaine entourée de bleus vibrants, de rouges riches. Les formes abstraites et dorées ressemblant à des ailes introduisent une couche de complexité et de beauté éthérée. « Naissance d’une fée » évoque un sentiment d’émergence, d’enchantement et de transformation.
Arachnée
Broderie à la main et à la machine sur papier Artistico. 71 x 51 cm / 28 x 20 po. 12-2023
« Arachnée » est une œuvre d’art complexe et captivante qui mêle habilement techniques traditionnelles et thèmes contemporains. Cette pièce présente des figures stylisées et des contrastes de textures, avec une araignée centrale entourée d’un réseau de lignes dorées qui forment des motifs géométriques de toile d’araignée. Les petites pièces rectangulaires métalliques inscrites de mots tels que « PHOTOS », « BLOG » et « BRANDING » ajoutent une dimension textuelle intrigante à l’œuvre. L’œuvre explore des thèmes de connectivité, de médias et peut-être du domaine numérique, tout en évoquant des questions sur l’identité personnelle et la perception de soi à l’ère moderne. Avec son jeu de textures et sa composition audacieuse, « Arachnée » invite le spectateur à réfléchir sur le rôle complexe que jouent les éléments de communication dans nos vies quotidiennes.
Sortie du néant
Lithographie sur papier Arches 88, 25 x 37 cm, 2019
« Sortie du néant » capture un équilibre entre simplicité et détails nuancés, incarnant à la fois la vulnérabilité et l’équilibre royal. Le visage du personnage reste indéfini, ajoutant un élément de mystère, tandis qu’une couronne au sommet fait allusion à un sentiment de royauté ou d’un autre monde. Dans un contraste saisissant, la moitié inférieure de l’œuvre se transforme en une zone plus sombre remplie de points épars, faisant allusion à la présence de terre ou d’ombre. Les jambes du personnage se fondent parfaitement dans cette zone plus profonde, symbolisant une connexion entre l’éthéré et le tangible. Les cœurs qui encadrent l’œuvre ajoutent une touche de tendresse, contrastant avec l’aura mystérieuse et introspective du personnage central. Cette pièce est une réflexion sur l’existence, la pureté et l’interaction délicate entre la lumière et l’ombre.
Le savoir est une couronne sur la tête
Acrylique sur papier brodé marouflé sur panneau de bois et collage. 30 x 30 cm (12 x 12 po). 2019. Collection privée.
Cette pièce présente une figure stylisée avec un casque complexe, soulignant l’idée de la connaissance comme symbole de pouvoir et de sagesse. L’utilisation de couleurs limitées et de techniques de collage lui confèrent une esthétique moderne et éclectique. L’abstraction dans la définition des détails du visage met l’accent sur la nature abstraite de la connaissance, comme le suggère le titre.
À vos marques, prêts, partez
Acrylique sur papier marouflé sur panneau de bois, 61×91.5 cm, 2017
crédit photo: Cesar Vianna
Issue des séances de dessin d’après nature, cette œuvre représente un transfert de l’observation de la vie réelle vers une interprétation abstraite et expressionniste. Les couleurs terreuses – bruns, noirs et blancs – crée une atmosphère tonale subtilement riche et chaleureuse qui résonne avec des thèmes humanistes. L’utilisation de coups de pinceau larges et expressifs transmet un sentiment d’émotion brute et d’élan, offrant un sentiment accru de vie et de vitalité à la figure introspective. Le langage corporel induit l’introspection ou la fatigue, qui devient le centre de gravité émotionnelle de l’œuvre d’art. Les lignes sont exécutées avec vivacité qu’elles semblent être en mouvement, presque comme si le spectateur entrait dans le tableau au moment précis de la contemplation du sujet.
Goulecore
Collage numérique, 2023
Dans ce monde dystopique, un Minotaure (l’industrie) se nourrit de chair humaine (travailleurs et citoyens) et prend son quota de vies annuellement. Le labyrinthe du Minotaure symbolise la pollution environnementale létale dont il est impossible de s’extirper, des émanations toxiques nous entourant de toute part. Les clones sont broyés, empoisonnés, réifiés par le pouvoir en place qui est représenté par une goule, une force terrible, énorme, et sans pitié. À travers ce travail, je vise à réfléchir sur les enjeux environnementaux à Rouyn-Noranda et sur l’impact inquiétant des industries à but lucratif sur notre planète.
Goulecore nous met au défi de remettre en question les valeurs d’une société où la technologie et le capitalisme se croisent, nous incitant à réfléchir aux conséquences de nos actions.
Essence de sérénité
Papier Fabriano, 56 x 76 cm, 2019
L’oeil de Sainte Lucie
Huile sur Canva, 91 x 76 cm (30 x 30 po), 2022
Ce paysage de l’île de Sainte-Lucie est empreint de symbolisme, avec des éléments tels qu’un palmier, un poignard dans la gorge, un plateau contenant des yeux, et une paire de bœufs représentant Sainte Lucie. L’artiste a exploré la relation de l’individu avec la société contemporaine en intégrant des éléments transhumanistes, transformant ainsi la figure du saint. À la croisée de l’art sacré et de la technologie, cette œuvre invite à la réflexion sur les questions de société actuelles. L’utilisation du collage et de la juxtaposition crée une composition complexe et captivante, où le passé et le futur se rencontrent.
Collage culturel
Techniques mixtes: broderie, gravure, perles, numérique. 97 x 74 cm / 38 x 29 po. 2024
« Collage culturel », une création unique qui mélange les techniques du papier, de la broderie, de la gravure et de la couture. Mesurant 95 x 74 cm, cette pièce présente un collage de papier à patron de couture déchiré, un corps humain avec des pattes d’ours pour les mains et les pieds, et un visage imprimé numériquement fusionnant les traits de l’artiste avec ceux d’un ours. Des perles délicates, des sous-vêtements en papier japonais et des collants brodés ajoutent des détails complexes à cette composition. Un bracelet bleu, blanc et rouge complète l’œuvre. Inspiré du roman « Tenir sa langue » de Polina Panassenke, découvrez la fusion de l’art et de la narration dans cette œuvre unique en son genre.
La mauvaise fortune (de Midas)
Collection privée, lithographie marouflée sur panneau avec encaustique et fil doré, 30.5 x 30.5 cm, 2018
crédit photo: Cesar Vianna
« La mauvaise fortune de Midas » représente un personnage allongé qui fume une cigarette dorée, la tête posée sur un oreiller doré également. La partie inférieure de l’œuvre présente une zone dorée remplie de nombreux éléments dorés verticaux, symbolisant les gouttes d’or provenant du lit du personnage .Créée à l’encaustique sur une grande toile, la peinture capture l’utilisation émotionnelle de la couleur et de la forme dans une composition expressive et dynamique.
Cette pièce explore les conséquences de la recherche de richesse et de possessions matérielles, inspirée du conte légendaire du roi Midas et rappelle que la véritable richesse réside dans les relations humaines, les expériences et les moments partagés avec les êtres chers.
Fée secrète
Collagraphie et pointe sèche, 30 x 40 cm, 12 x 16 po, 2021
« Fée Secrète » est inspirée de la légende de Mélusine, une femme maudite pour se transformer en serpent de la taille aux pieds chaque samedi. L’œuvre voulait capturer l’essence de la dualité en combinant des éléments réalistes et abstraits pour représenter une figure humaine fragmentée, renforçant le sentiment de mystère et de légende. La tête, détaillée et texturée, contraste avec les formes abstraites vertes en dessous, suggérant des parties du corps incomplètes ou démontées, évoquant la transformation tragique de Mélusine. La pièce est une impression réalisée à partir de deux matrices distinctes : une collagraphie qui représente le côté humain et une gravure en plexiglas qui signifie l’aspect serpentin et mythique. La combinaison de ces techniques m’a permis de capturer la dichotomie de la nature de Mélusine – à la fois humaine et surnaturelle – d’une manière visuelle.
Être ou ne pas être en culotte rouge.
Gouache et encre sur papier BFK Rives.
76 x 56 cm.
2018
Cette pièce a été inspirée par une séance de modèle vivant, capturant un moment brut et intime avec des détails uniques comme le short rouge vif qui offre un contraste et un point focal convaincants. La peinture présente un style libre et expressif, avec des coups de pinceau visibles et des touches bleues dynamiques entourant la figure, ajoutant une touche quelque peu abstraite. Le simple fond beige clair concentre pleinement l’attention sur le sujet. Il y a quelque chose de profondément brut et réel dans le fait de capturer un moment vécu et ressenti en présence d’un modèle.
La serpente
Collagraphie et pointe sèche, 40 x340 cm, 16 x 12 po, 2021
Cette pièce présente une figure hybride surréaliste mêlant des éléments humains, naturels et animaux. Sur le côté gauche, il y a une tête humaine monochrome et texturée avec une ambiance primitive, se transformant en un corps semblable à un poisson orné d’écailles et de motifs complexes. Le côté droit se prolonge par de grandes ailes en forme de feuille avec de délicates textures veinées créées par des lignes fines. Cette composition vous invite fantastique à explorer la frontière entre le monde humain et naturel. Inspirée de la légende de Mélusine, cette œuvre représente sa dualité de femme et de fée, d’humaine et d’animal, d’amante et de mère. Mon utilisation d’encres et de matrices donne vie à son histoire, mettant en valeur sa transformation complexe.
Déméther ou Je t’attendrai ma fille!
Collection privée, dessin encre de Chine marouflé sur panneau avec encaustique et fil,22.8 x 30.5 cm, 2018
crédit photo: Cesar Vianna
L’œuvre « Je t’attendrai ma fille » est une représentation poignante tirée de la mythologie grecque, mettant en scène une figure féminine aux mains tendues en geste de désespoir. Les formes jaunes contrastent avec les contours sombres, créant ainsi un effet visuel captivant et dynamique. Inspirée du mythe de Déméter et Perséphone, cette peinture en encaustique incarne le cycle des saisons et les émotions intenses liées à la séparation et à l’attente. Une œuvre à la fois abstraite, colorée et texturée grâce au médium de l’encaustique.
Hommage à P-o-lin(a)e
Broderie sur linogravure. 38 x 29 cm / 15 x 12 po. 2024
Collection privée.
L’œuvre présente une impression lino d’une figure féminine vêtue d’une robe composée de fragments de textes français et russes entrelacés. Les yeux, représentant l’identité, sont un point focal. Les détails complexes du fond et les pétales brodés reflètent les couleurs adoucies des drapeaux français et russe. À travers l’utilisation de la linogravure, du collage de texte et de la broderie, l’œuvre donne vie à une représentation poignante et expressive de l’identité et de la dualité culturelle, inspirée du roman « Tenir sa langue » de Polina Panassenko.
Fée des glaciers
Collage numérique marouflé sur panneau de bois. 30 x 30 cm (12 x 12 po) 2022. Collection privée
Fée des Gaciers est une scène surréaliste qui transporte le spectateur dans un monde mystique où s’entremêlent des éléments de fantaisie et de réalité. La toile de fond présente un ciel orageux chargé de nuages sombres et menaçants et une pleine lune proéminente projetant une lueur éthérée. Au premier plan, une pile d’œufs précaire se tient en équilibre sur une structure glacée émergeant des eaux tranquilles. À gauche, une fée, recroquevillée en position fœtale sur un autre morceau de glace, ajoute une touche de fantaisie et de mystère.
Le radeau dés-abusé(s)
Le radeau des/abusé(s) est une installation tridimensionnelle qui symbolise la détérioration imminente du système de santé et la détresse des professionnels en soins de santé. Formée de billots en métal rappelant des individus, maintenus ensemble par des tubulures et des solutés rouges, cette œuvre dénonce les conditions de travail difficiles et le stress auxquels sont confrontés les soignants. La voile rafistolée par des pansements évoque l’imminence d’une tempête, tandis que des formes blanches déployées au sol renforcent l’atmosphère perturbante de l’installation. Éclairée par un éclairage coloré, cette œuvre immersive invite le spectateur à réfléchir sur les thèmes de la transformation et du désarroi dans le domaine de la santé.
Cylindres de métal, prélart, matériel médical, lumière noire, projection visuelle et sonore
Crédit photo: Christian Leduc
Exposition:
De la lumière, tout près. MA, Musée d’Art, Rouyn-Noranda, QC, Canada. 2019 |
Prudence et mystère
Collagraphie et pointe sèche, 20 x 25 cm, 8 x 10 po, 2021
« Prudence et mystère » trouve ses racines dans la légende obsédante de Mélusine, un conte riche en thèmes sur l’humanité, le mystère et les parties de nous-mêmes que nous nous efforçons de garder cachées. Mélusine, maudite par sa mère, se transforme tous les samedis en serpent à partir de la taille. Elle tombe amoureuse de Raymondin, qui l’épouse à une condition : il ne doit jamais la voir ce jour maudit. Ils jouissent d’une union prospère, dotés de dix fils, chacun portant une marque étrange. Cependant, la curiosité conduit finalement Raymondin à rompre son vœu, découvrant Mélusine sous sa forme partielle de serpent. Exposée, Mélusine se transforme en dragon, survolant le château de Lusignan avant de disparaître à jamais.
Cette légende a nourri mon inspiration et m’a poussée à explorer la double nature de Mélusine : femme et fée, humaine et animale, amante et mère. J’ai utilisé mes encres et mes matrices pour capturer cette hybridité, illustrant le mélange d’éléments humains et botaniques qui évoquent son histoire. c’est une invitation à réfléchir aux complexités de la dualité humaine et de la transformation
Les bas tigrés.
Encre de chine sur papier Arches 88.
56 x 78 cm.
2020
« Les bas tigres » est une œuvre captivante qui présente une silhouette nue allongée face contre terre, la tête tournée sur le côté et appuyée sur les avant-bras. Les jambes sont élégamment pliées au niveau des genoux, montrant des pieds ornés de bas à motif tigré. L’utilisation des ombres et des contours sombres accentue la musculature et les courbes naturelles du corps, tout en conservant une délicatesse grâce à l’emploi combiné de crayon et d’encre. L’arrière-plan minimaliste focalise l’attention sur la silhouette, créant ainsi une composition qui célèbre à la fois l’immobilité et la puissance tranquille. L’œuvre insuffle un sentiment de calme et de réflexion, un hommage à l’élégance tranquille du corps humain.
Soulier de bal en 1700
Lithographie. Édition 1/6. 20 x 28 cm. Papier Yupo. 2020
«Soulier de bal en 1700 » présente un motif floral et de volutes complexe couvrant toute la partie supérieure. Le talon est large et texturé, offrant une base solide. Le design comprend une sangle sur le cou-de-pied, ajoutant une touche élégante à la composition globale. Le style rappelle les chaussures vintage ou antiques, alliant à la fois fonctionnalité et design ornemental.
Cette pièce s’inspire de la tradition du bal de fin d’année, une étape formatrice symbolisant la transition vers l’âge adulte. L’inspiration derrière cette œuvre vient du conte intemporel de Cendrillon, plus précisément du moment où elle perd sa chaussure à minuit. En illustrant une chaussure de balle de différentes époques remontant aux années 1500, j’ai voulu mettre en avant le caractère durable du ballon, véritable rite de passage marquant le passage à l’âge adulte.
Déesse de la lune
Collection privée, dessin encre de Chine marouflé sur panneau avec encaustique, 30.5 x 30.5 cm, 2018
La lune est un symbole de beauté et de divin dans de nombreuses cultures. Cette œuvre d’art à l’encaustique voulait capturer l’essence de la lune en tant que point focal et de la femme en tant que déesse de ce royaume céleste. Les bleus profonds, les accents dorés et les bottes rouges vibrantes créent un sentiment d’émerveillement et de contemplation.
La reine au nuage
Encre sur papier Sommerset, 56 x 76 cm, 2018
La reine au nuage est une peinture abstraite et minimaliste saisissante qui capture la forme humaine nue avec une élégante simplicité. Au sommet de la tête repose une couronne rouge vif, attirant l’attention sur la silhouette autrement sans visage, dont les traits sont abstraits dans un motif en forme de maille. Cette conception complexe introduit une qualité surréaliste et onirique à l’œuvre d’art.Au-dessus de la figure, un trait d’encre noire lavée ressemble à un nuage, libérant doucement des flocons qui semblent tomber en cascade, renforçant l’atmosphère éthérée de la scène. Cette pièce évocatrice respire à la fois le mystère et la sérénité, invitant les spectateurs à explorer ses nuances et ses significations superposées.
Hermès et sa coupable passion pour la mode
Collection privée, dessin encre de Chine marouflé sur panneau avec encaustique et fil, 20.3 x 25.4 cm, 2018
crédit photo: Cesar Vianna
« Hermès et sa coupable passion pour la mode », est inspirée par le jeu de mots entre Hermès, le messager de la mythologie grecque, et Hermès, la célèbre marque de mode. Cette pièce combine les éléments de la mythologie avec le monde de la mode, créant une composition unique et intrigante. La fusion de la mythologie et de la mode est représentée par une écharpe rouge, symbolisant la mode, et un pied orné d’ailes au talon, qui illustre Hermès, le messager de la mythologie grecque. L’utilisation du médium à l’encaustique ajoute de la profondeur et de la texture à l’œuvre, donnant vie au personnage d’Hermès.
Série Mélusine
Cette série s’inspire d’un mythe médiéval qui traite de la quête d’humanité, du mystère, de la confiance, de la partie monstrueuse de soi que l’on désire cacher. J’ai mis mes encres, mes matrices et mon aiguille au service de cette légende, affin de représenter l’hybridité de Mélusine femme et fée, humaine et animale, amante et mère.
Exposition
À la rencontre de trois visions. Galerie Au 123, Rouyn-Noranda, QC. 12/2022
Odalisque au turban bleu.
Esquisse réalisée pendant une séance de modèle vivant.
Encre de chine sur papier Arches 88, 56 x 78 cm.
2020
« Odalisque au Turban Bleu » est une peinture d’approche minimaliste et expressive, capturant l’essence d’un moment éphémère et serein. Représentant une personne allongée sur le côté, caractérisée par des formes simplifiées, presque abstraites, l’œuvre utilise de grands traits en noir, gris et bleu. La figurine porte un maillot de bain noir et un bonnet de bain bleu soulignés d’un ruban noir. Ce jeu unique de grands traits en noir, gris et bleu dirige l’attention du spectateur directement sur la silhouette, tandis que l’arrière-plan vide offre un contraste saisissant qui renforce la présence du sujet.
23:59
23 :59
Plongez dans l’installation stimulante « 23h59 », un mélange captivant d’art traditionnel et contemporain. Cette œuvre présente un escalier orné de papier imprimé représentant des images de pieds blessés sur un parquet en bois. Un luxueux tissu bordeaux drape élégamment la structure, créant une présentation théâtrale qui fait allusion à un événement ou à un rituel important. Les chaussures à talons hauts et les petits moniteurs vidéo ajoutent des éléments de présence humaine et de technologie, invitant à la contemplation. Inspirée par le conte intemporel de Cendrillon et les pressions sociétales auxquelles sont confrontées les femmes, cette œuvre associe harmonieusement l’art, la narration, l’imagerie médicale, la couture et l’art numérique. Installation en escalier. Assemblage cousu en patchwork d’impressions de mokulithographie sur papier Mulberry déposés sur marches en velours rouge, écran de 8 ‘’ x 10 ‘’ accueillant une animation d’une durée de 1 minute d’une série de lithographie de souliers de bal à travers les époques, soulier. Hauteur : 240 cm x Largeur : 213 cm, 2020. Crédit photo : Émilie B. Côté.
Expositions:
Première impression. Finaliste pour le Prix Albert-Dumouchel pour la relève 2021. Arprim, centre d’essai en art imprimé, Montréal, QC, Canada. 2021
23h59. Atelier les Mille Feuilles centre d’art imprimé, Rouyn-Noranda, QC, Canada. 2021 Mémoires et médiations. Galerie du Rift, Ville-Marie, QC, Canada. Commissaire : Martin Beauregard. 2020 |
Défi ou jeu?
Défi ou jeu ?, 2020
Techniques: woodblock, linogravure et chine-collé
BFK Rives
Tirage de 3
Dimensions: image: 30 x 23 cm. Papier: 51 x 41 cm
Cette pièce capture une scène dynamique où une femme aux cheveux complexes interagit de manière ludique avec un ours. Veut-elle jouer ou le mettre au défi? La figure humaine semble bondir en avant, tenant un objet rouge qui ressemble à une balle ou peut-être à un soleil, tandis que l’ours se tient sur ses pattes arrière dans une posture curieuse et alerte. Cette œuvre a été inspirée par l’interaction fascinante entre l’homme et la nature. L’aspect unique de la création de cette pièce était le processus méticuleux de linogravure qui, superposé sur une première impression sur bois, devait être méticuleusement sculpté et imprimé, afin que l’interaction des lignes et des couleurs transmette efficacement l’énergie et le récit souhaités. « Défi ou jeu ? » m’a permis d’explorer la texture et le mouvement d’une nouvelle manière.
Nu aux draps de bronze.
Encre sur papier Arches 88
56 x 78 cm.
2020
« Nu au drap de bronze » est une version abstraite et interprétative de la forme humaine, avec un minimum de détails fins pour inviter le spectateur à l’interprétation. La composition utilise de légers lavis de tons gris et beige pour représenter le corps, avec des accents de noir et de subtiles notes de brun pour ajouter de la profondeur et des contours. L’idée de la draperie de bronze, à laquelle le titre fait allusion, a joué un rôle unique dans le processus de création en mettant en évidence le contraste entre la texture froide et métallique du bronze et la chair humaine chaude et douce.
Femme mélodieuse
Collagraphie et pointe sèche, 20 x 25 cm, 10 x 8 po, 2021
Inspirée de la légende de Mélusine, l’œuvre navigue dans les deux royaumes de l’humain et du mythique. À droite, une tête monochrome texturée apporte une profondeur abstraite à l’aspect humain, tandis que la gauche présente une forme allongée, segmentée avec des textures et des motifs variés qui évoquent des formes organiques et éventuellement des oiseaux stylisés. Il s’agit d’une impression réalisée à partir de deux matrices distinctes : une collagraphie représentant le côté humain et une gravure en plexiglas symbolisant l’aspect serpentin et mythique. La palette monochrome, accentuée de verts subtils, vise à évoquer une qualité délicate et éthérée.
Une amazone est née
Dessin encre de Chine marouflé sur panneau avec encaustique et fil métallique, 30.5 x 30.5 cm, 2018
crédit photo: Cesar Vianna
Les amazones, guerrières de la mythologie grecque, symbolisent la force et la résilience des femmes dans leur combat contre la maladie. Le rouge vibrant symbolise le courage et la détermination, tandis que les formes angulaires et les lignes dynamiques représentent la force et la lutte. L’utilisation du noir et du blanc ajoute une dimension de contraste, symbolisant la dualité de la douleur et de l’espoir dans la bataille contre la maladie. Cette œuvre raconte les thèmes de la douleur, du courage et de la transformation. En résumé, « Une amazone est née » évoque les émotions intenses et le courage héroïque des femmes face à l’adversité, tout en rendant hommage à leur force et leur résilience dans le combat contre le cancer du sein.
Neurobricolée
Collagraphie et lithographie. Papier Arches 88. 56 x 36 cm. 2020. crédit photo @Violaine Lafortune
Rendu dans une palette monochromatique de différentes nuances de gris et de noir, cette pièce présente une esthétique texturée semblable à un croquis.
Le corps est composé de tiges et de câbles métalliques, créant une juxtaposition de matériaux qui accentue la dualité au sein de la pièce, se demandant si le sujet est un humain avec un torse de robot ou un robot avec des parties humaines.
Les procédés à l’origine de « Neurobricolée » allient la précision de la lithographie pour les sections métalliques à la qualité tactile de la collagraphie pour les pièces humaines. De cette fusion artistique résulte une représentation singulière explorant les bienfaits et les malédictions du progrès technologique.
Gynoïde à la licorne
« Gynoïde à la licorne » est un patchwork, un hommage au savoir-faire médiéval de la célèbre « Dame à la Licorne , série de 6 tapisseries. Cette œuvre présente diverses scènes narratives sur un fond rouge vif, évoquant la structure d’une page de bande dessinée. Chaque section de la pièce représente l’une des tapisseries de la série historique.
L’œuvre d’art combine des éléments en tissu avec des parties métalliques fabriquées à partir de papier d’aluminium. L’inclusion de figures en papier d’aluminium symbolise les gynoïdes, des êtres artificiels représentés sous des formes féminines, introduisant une réflexion contemporaine sur le transhumanisme, sur l’évolution de la relation entre l’humanité et la technologie, explorant les thèmes de la création, de l’identité et de l’avenir des machines à l’image des humains.
Un élément distinctif de cette pièce est son interaction avec la lumière noire ; sous un tel éclairage, des détails cachés émergent, invisibles sous une lumière ordinaire, ajoutant une couche de découverte unique et fascinante pour le spectateur.
La Sainte et la bête
Huile sur toile, 91 x 76 cm (36 x 30 po), 2023
Cette peinture explore l’harmonie entre le calme et la colère, illustrant que c’est notre capacité à trouver l’équilibre entre les deux qui mène à une véritable paix intérieure. L’image d’une femme sereine aux côtés d’un ours féroce nous rappelle avec force que c’est ce qui se trouve en nous qui compte vraiment.
L’introspection
Papier Fabriano, 56 x 76 cm, 2019. Collection privée.
L’œuvre représente un rendu minimaliste et monochromatique d’une silhouette nue.
Le croquis incarne un style expressif qui capture les courbes naturelles et les profondeurs de la forme humaine dans un style expressif qui célèbre la simplicité.
La création de cette pièce a été inspirée de séances de modèles vivants et exécutées avec un mélange d’encre de Chine, de conte et de fusain.
La chute d’Icare
Collection privée, dessin encre de Chine marouflé sur panneau avec fil à broder, 41 x 51 cm, 2018
crédit photo: Cesar Vianna
« La chute d’Icare » est une peinture expressionniste abstraite qui capture une figure en mouvement sur un fond noir contrastant. La silhouette, rendue par des traits texturés de jaune, de vert et des notes de rouge, dégage une impression d’énergie dynamique. La composition est rehaussée par des ailes détaillées à côté de la figure, créant un contraste visuellement captivant. Cette œuvre d’art s’inspire du mythe tragique d’Icare, dont le désir de voler trop près du soleil a finalement conduit à sa chute. L’utilisation d’un médium à l’encaustique ajoute une profondeur et une complexité uniques à la pièce, ajoutant de l’émotion.
Le rêve de la femme-cactus
Acrylique sur toile, 61 x 91.5 cm (36 x 24 po), 2017.
Cette peinture expressionniste vibrante a été inspirée par un rêve et capture une figure aux traits exagérés et stylisés. La figure centrale respire l’énergie et le mouvement, avec une pose dynamique et des couleurs vives qui exigent l’attention. La fusion d’éléments fantaisistes et d’arrière-plans texturés crée un sentiment de fantaisie et d’émerveillement dans cette pièce. J’espère que cette œuvre vous inspirera à embrasser votre créativité et à poursuivre vos rêves !
Sylphide
Lithographie sur papier Arches 88, 18 x 14.5 cm, 2019
Sylphide représente une silhouette recroquevillée en position fœtale. Définie par des lignes sombres et ombrées qui accentuent les contours du corps, la silhouette dégage un sentiment d’introspection et de tranquillité. Autour de la figure se trouvent des éclaboussures d’encre abstraites, introduisant un élément dynamique et quelque peu chaotique dans la composition. Cette juxtaposition entre la pose sereine et les marques énergiques crée un contraste qui enrichit la composition avec une profondeur expressive. Rendu grâce au processus de lithographie, Sylphide incarne un mélange de tranquillité et de dynamisme.
Les passeuses
Encaustique sur panneau , 30.5 x 30.5 cm, 2017
« Les passeuses » est une œuvre d’art texturée mettant en scène trois visages éthérés encadrés de cheveux dorés en relief. Les détails complexes et les éléments tridimensionnels transportent dans un univers où beauté et spiritualité se rencontrent. Les carapaces de tortue symbolisent la renaissance et la protection, et invitent dans un voyage de renouveau et de croissance spirituelle.
La palette apaisante de blancs, de beiges et d’or évoque une atmosphère de paix et d’émerveillement et explore le riche symbolisme spirituel.
Soulier de bal en 1600
Lithographie. Tirage 1/6. 20 x 28 cm. Papier Yupo. 2020
« Soulier de bal en 1600 » présente des détails texturés complexes, tels qu’un motif sur la pointe et une bande texturée près de l’ouverture. Le style général de la chaussure suggère un mélange d’éléments historiques et fantastiques, la rendant à la fois unique et visuellement attrayante.
Cette pièce s’inspire de la tradition du bal de finissant, une étape formatrice symbolisant la transition vers l’âge adulte. L’inspiration derrière cette œuvre vient du conte intemporel de Cendrillon, plus précisément du moment où elle perd sa chaussure à minuit. En illustrant une chaussure de bal de différentes époques remontant aux années 1500, j’ai voulu souligner le caractère durable du bal de fin d’année, véritable rite de passage marquant la transition vers l’âge adulte.
Soulier de bal en 1900
Lithographie. 20 x 28 cm. Papier Yupo. 2020
« Soulier de bal en 1900 » est une illustration monochrome qui capture la beauté intemporelle d’une chaussure à talons hauts de la Belle Époque. La chaussure est finement confectionnée avec une apparence sophistiquée et épurée, avec un bout pointu et un talon aiguille fin. Le style général de l’illustration est marqué par son approche minimaliste et épurée, qui met fortement l’accent sur la forme et la structure de la chaussure.
Cette pièce s’inspire de la tradition intemporelle du bal de fin d’année, une étape formatrice symbolisant la transition vers l’âge adulte. L’inspiration derrière cette œuvre vient du conte intemporel de Cendrillon, plus précisément du moment où elle perd sa chaussure à minuit. En illustrant une chaussure de bal de différentes époques remontant aux années 1500, j’ai voulu mettre en valeur le caractère pérenne du bal, véritable rite de passage marquant le passage à l’âge adulte.
La Femme-Pan
Dessin encre de Chine marouflé sur panneau avec encaustique et fil métallique, 28 x 36 cm, 2018
crédit photo: Cesar Vianna
Cette peinture abstraite présente des formes courbes audacieuses principalement en rouge, avec des accents et des contours noirs et jaunes. L’utilisation du noir met non seulement en valeur la forme du corps féminin, mais ajoute également de la profondeur et du contraste, tandis que les segments jaunes offrent un contraste saisissant.
Les coups de pinceau texturés en gris et vert créent un fond rappelant le feuillage, suggérant un décor extérieur. L’impression générale est celle du mouvement et de la vitalité, invoquant une sensation de fluidité au sein des formes abstraites. Dans la mythologie grecque, Pan est le Dieu de la fertilité, des troupeaux et des bergers, mais il est surtout célèbre pour son appétit sexuel bestial et insatiable. Cette peinture présente une version féminine de ce Dieu.
Les dangers de la canicule
Acrylique sur papier marouflé sur panneau de bois, 30.5 x 46 cm, 2018
Par une chaude journée d’été, une de ces journée qui nous font voir flou, une forme s’avance vers notre personnage: danger ou hallucination dû au soleil? La femme, inconsciente, est submergée par la chaleur étouffante. Les couleurs vives, les grands coups de pinceau, combinés à l’empâtement, confèrent à la peinture du mouvement et de la vie. Le thème de l’ignorance du personnage face au danger est tragiquement universel et donne à l’œuvre une grande résonance.
Soulier de bal en 2000
Lithographie. tirage 1/4. 20 x 28 cm. Papier Yupo. 2020
« Soulier de bal en 2000 » fusionne efficacement les mondes de la mode et de l’art, en se concentrant sur la forme et la structure de la chaussure de manière imaginative. Il transforme un objet commun en une pièce maîtresse à la fois visuellement captivante et avant-gardiste. La composition remet en question les notions traditionnelles de conception de chaussures, célébrant la créativité et réimaginant la chaussure comme une œuvre d’art. L’impression générale est celle de l’audace et de l’innovation, mettant en valeur une vision extraordinaire qui repousse les limites du design conventionnel.
Cette pièce s’inspire de la tradition intemporelle du bal de fin d’année, une étape formatrice symbolisant la transition vers l’âge adulte. L’inspiration derrière cette œuvre vient du conte intemporel de Cendrillon, plus précisément du moment où elle perd sa chaussure à minuit. En illustrant une chaussure de bal de différentes époques remontant aux années 1500, j’ai voulu souligner le caractère durable du bal de fin d’année, véritable rite de passage marquant la transition vers l’âge adulte.
Pièces détachées
Plusieurs domaines différents (pharmacologie, transhumanisme, écologie, robotique…) tentent d’appréhender le futur technologique et son impact sur le corps humain. Créer des chimères représente pour moi une façon de réunir toutes ces visions afin de réfléchir à la future société et aux risques de dérapages éthiques, comme la commercialisation de matériel biologique.
Chimères humaines regroupe un ensemble de créations/créatures reproduisant un possible futur magasin de pièces biologiques vendues au détail. L’utilisation de papier de patron de couture pointe la manière dont on pourrait fabriquer ces êtres à partir d’un schéma matriciel permettant de reproduire en autant de quantité que nécessaire une pièce de rechange biologique. Le miroir permet au spectateur de s’y retrouver impliqué. Il symbolise également l’âme qui pourrait se retrouver dans ce piège d’exploitation extrême d’une forme de vie. La lecture à la lumière noire permet de détecter les plaies, les souffrances qui ne se voient pas à la lumière du jour. Le papier et le tissu sont fait de fibres et rappellent la fibre musculaire. Ils se prêtent au collage, à la couture. Ils peuvent servir d’écran pour recevoir une information, ils peuvent se faire graver ou broder. Tout ceci peut aussi se dire de l’humain. L’art numérique et la lumière noire symbolisent les influx nerveux, l’électricité qui anime les êtres vivants.
Ce travail explore l’identité qui passe par un corps différent. Je cherche à voir s’il y a un seuil qui sépare l’humanité d’un côté et la non-humanité de l’autre par une approche transdisciplinaire combinant mon vécu scientifique, artistique et humaniste.
Exposition:
Pièces détachées. Galerie d’art contemporain Céline J. Dallaire, Rouyn-Noranda, QC, Canada. 2021
Introspection
Lithographie sur papier Yupo, 28 x 43 cm, 2019
Cette pièce représente la vue de dos d’une figure féminine assise, les genoux pliés et le corps légèrement penché en avant. Les cheveux du personnage sont coiffés en chignon au sommet de sa tête, complétant la pose sereine et introspective. Le dessin met en valeur les contours et la musculature du dos et des membres de la femme à travers des lignes simples, avec des ombres et des motifs texturés. Introspection capture un moment de réflexion tranquille, avec un accent puissant sur la beauté et la force naturelles du corps humain, inspiré par la discipline du dessin d’après modèle.
Entre chien et louve
Collage numérique monté sur panneau de bois. 30 x 30 cm (12 x 12 po) 2022.
Cette composition numérique surréaliste présente une statue en bronze aux membres exagérés, accroupie sur des champignons et exprimant une profonde angoisse. En toile de fond, un ciel nuageux spectaculaire et une pleine lune illuminent un paysage montagneux avec un majestueux chien-loup perché sur un sommet. Cette pièce évoque une scène onirique. Inspirée par le phénomène d’une femme se transformant en louve sous la pleine lune, l’œuvre utilise ces éléments symboliques pour explorer les thèmes du changement et de l’interaction entre la nature humaine et animale.
Mat à l’étouffée
Patchwork 240 x 260 cm (94 x 102 po). Multimédia.
Mat à l’étouffée se manifeste sous la forme d’un patchwork, entrelaçant les éléments structurés d’un échiquier avec un élément de chaos, suggérant un jeu dont les cases ont été mélangées au hasard.
Chaque panneau de la courtepointe alterne entre des fonds noirs et blancs, présentant des créatures fantastiques et des êtres anthropomorphes, des créations hybrides également partagés entre les humains et les axolotls. Ces figures sont rendues dans un style artistique populaire, ornées de motifs et de textures complexes dans des tons de blanc, d’orange et de noir, conférant un aspect distinctif et cohérent à la pièce.
Autour de cette grille de créatures fantastiques se trouvent des illustrations plus petites inspirées de l’iconographie médiévale. Ces images supplémentaires sont reliées par un motif de ruban en forme d’ADN, réalisé à partir de billets d’enfants de différents pays. Ensemble, ces éléments présentent une critique pointue du capitalisme incontrôlé, décrivant des personnages impudents rivalisant au sein du motif de l’ADN monétaire.
Le mélange évocateur de formes et de symboles de « Mat à l’étouffée » attire l’attention sur le sort des êtres créés par les humains uniquement pour être exploités. Ces personnages, piégés et incapables de bouger comme des pions sur un échiquier encombré, constituent une métaphore puissante pour les victimes des systèmes capitalistes. L’utilisation du patchwork, un artisanat traditionnellement féminin et pratique, réinventé comme un grand art ajoute une couche supplémentaire de complexité, mettant l’accent sur la transformation des techniques quotidiennes en expressions artistiques profondes.
La grâce aux cheveux dorés
Papier Somerset, 56 x 76 cm, 2018
La tête du personnage est ornée d’une forme jaune abstraite et frappante qui fait allusion à une coiffure ou un bandeau élaboré, attirant immédiatement l’attention. La simplicité du corps, soulignée par des traits doux et de subtiles nuances de gris, ajoute de la profondeur et de la dimension à la forme. De délicates lignes rouges autour du cou font ressortir un accessoire ou un vêtement, ajoutant une touche d’élégance à la composition. Le style général est détendu et sobre, se concentrant sur la capture de l’essence du sujet plutôt que sur des détails complexes. L’inspiration pour cette pièce a été tirée d’un modèle vivant, apportant un sentiment d’authenticité et de spontanéité à l’œuvre.
Le pied de Saint-Antoine
Peinture réalisée à l’huile sur panneau de bois, 91 x 61 cm (36 x 24 po), 2022
« Pied de St-Antoine » présente un mélange unique entre le passé et le futur à travers la représentation de Saint-Antoine le grand. Les symboles formels traditionnels du saint sont fusionnés avec des éléments de robotique, illustrant ainsi la propension de l’humain à s’autotransformer et à repousser ses limites. Cette composition artistique innovante explore la place de la figure du saint dans l’art contemporain tout en interrogeant les notions de sacré et de transhumanisme. Une réflexion profonde sur les enjeux de notre société actuelle, « Pied de St-Antoine » invite le spectateur à méditer sur les questions de justice, d’inégalités et de dignité humaine à travers une esthétique fusionnant tradition et modernité.
Mes automates
Exposition collective intitulée « Le noir de l’encre »
Ma démarche pour ce projet: Les cyborgs, les manipulations génétiques, les implants, la réalité augmentée, le clonage frappent à notre porte. Le mythe d’Héphaïstos, dieu forgeron, et de ses automates devient actuel. L’automate est un être artificiel créé pour effectuer une tâche précise. Il est doté d’une résistance qui se rapproche de l’immortalité. L’automate libère l’humanité du besoin de travailler et peut s’avérer bénéfique. Mais sa conception supérieure rend possible l’étiolement des humains et la disparition de l’humanité. L’informatique, l’intelligence artificielle, la robotique seraient-elles les descendantes d’Héphaïstos ? La connaissance peut-elle transformer la matière inanimée en instrument intelligent sans menacer le monde des humains ?
Le noir de l’encre m’amène à approfondir ces dualités : homme-machine, bienfait-malédiction, libération-asservissement. Des impressions assemblant différentes techniques et différentes encres noires sur le papier blanc témoigneront de mes tentatives pour donner forme et vie à une création. Le substrat, au lieu de métal, sera de papier. L’encre sera le moyen d’agencer les concepts entre eux et de les fusionner.
Ensemble de 6 estampes, chacune étant composée de deux techniques de gravure différentes.
Tarzan 3.0 Collagraphie et linogravure. Papier Arches 88. 56 x 36 cm. 2020
Animatronic Gravure pointe sèche et linogravure. Papier Arches 88. 36 x 56 cm. 2020
Neurobricolée Collagraphie et lithographie. Papier Arches 88. 56 x 36 cm. 2020
Boxeur amélioré Linogravure et lithographie. Papier Arches 88. 56 x 36 cm. 2020
Travailleuse du clic Lithographie et gravure pointe sèche. Papier Arches 88. 56 x 36 cm. 2020
CENDR-1-ON Collagraphie et gravure pointe sèche. Papier Arches 88. 56 x 36 cm. 2020
Expositions collectives:
- Le noir de l’encre. Centre d’exposition d’Amos, QC. Canada. 09/2021
Le noir de l’encre. MA, Musée d’art Rouyn-Noranda, QC, Rouyn-Noranda. Canada. 01/2021
Nuances d’intimité
Papier Fabriano, 56 x 76 cm (29 x 22 po), 2018
Créée avec de l’encre, du fusain et du conté, cette pièce s’appuie sur des gris et des noirs doux pour mettre en valeur les contours et les ombres du corps. La pose introspective et l’élégance simple du personnage dégagent un sentiment de simplicité et de profondeur. Inspirée de séances de modèles vivants, cette œuvre incarne une exploration subtile de l’intimité humaine, laissant transparaître une impression de légèreté et de sérénité.
Le marié
Collagraphie, 7.5 x 10 cm, 2018
« Le marié » est une œuvre d’art miniature captivante, mesurant seulement 4 x 3 pouces. Cette création unique présente une sirène masculine, une figure qui défie l’imagerie traditionnelle de la sirène par son caractère distinctif. Le personnage est représenté en mouvement, avec sa queue de sirène élégamment repliée sous lui, suggérant fluidité et grâce. Curieusement, il lève les deux bras au-dessus de sa tête, évoquant la sensation de mouvements de nage dynamiques. Ajoutant une touche fantastique, il revêt de majestueux bois d’orignal, mêlant de manière inattendue l’aquatique et le terrestre. Réalisée selon le processus méticuleux de collagraphie, cette œuvre miniature invite les spectateurs dans un monde où mythe et nature se croisent harmonieusement.
Titanesque vigilance
Acrylique sur toile. 91.5 x 91.5 cm, 2018
crédit photo: Cesar Viannas
« Titanesque Vigilance » est une peinture inspirée de la mythologie grecque. La pièce présente une figure féminine allongée, dos tourné au spectateur, dégageant une émotion oscillant entre la tranquillité et un courant sous-jacent de tension d’anticipation. Cette œuvre vient de l’épisode de la mythologie grecque où les titans sont enchaînés aux enfers par Zeus et parle des thèmes du pouvoir, de la lutte et de la patience. Cette figure, peinte ici, ne dort que d’un oeil; vigilante créature qui ne rêve que de s’échapper.
Robe d’émeraude
Collagraphie et pointe sèche, 40 x 50 cm, 16 x 20 po, 2021
Cette pièce est créée à l’aide de techniques de collagraphie et de pointe sèche. Il s’agit d’une composition monochromatique et surréaliste mêlant des formes abstraites à des éléments organiques et humains. Une tête détaillée et désincarnée contraste sur un fond blanc, tandis que deux feuilles délicates et doublées émergent d’une base sombre et amorphe ressemblant à une silhouette accroupie.
« Robe d’émeraude » fait partie de ma série « Mélusine », qui s’inspire d’un mythe médiéval qui résonne pour moi avec les thèmes de l’humanité, du mystère, de la confiance et des parties monstrueuses de nous-mêmes que nous cherchons souvent à cacher.
La pensive aux draps bleus.
Encre et fusain sur papier Arches 88.
78 x 56 cm.
2018
La silhouette assise apparaît avec une résille qui enveloppe doucement les cheveux, ajoutant une texture et une profondeur uniques à la composition. Inspirée par la pose tranquille d’une femme nue avec un drapé bleu autour de ses hanches, cette pièce capture un moment intime d’immobilité et de réflexion, invitant à faire une pause et à réfléchir aux côtés de la figure représentée.
Soulier de bal en 1500
Lithographie. Tirage 1/4. 20 x 28 cm. Papier Yupo. 2020
« Soulier de bal en 1500 », est une illustration en noir et blanc très détaillée qui capture le design complexe d’une chaussure historique. L’œuvre se concentre sur une chaussure avec une courbe ascendante extraordinaire qui forme presque une pointe crochue à son extrémité. La surface de la chaussure présente des textures et des nuances riches, lui donnant un aspect usé et vieilli,
Cette pièce s’inspire de la tradition intemporelle du bal de fin d’année, une étape formatrice symbolisant la transition vers l’âge adulte. L’inspiration derrière cette œuvre vient du conte intemporel de Cendrillon, plus précisément du moment où elle perd sa chaussure à minuit. En illustrant une chaussure de bal de différentes époques remontant aux années 1500, j’ai voulu souligner le caractère durable du bal de fin d’année, véritable rite de passage marquant la transition vers l’âge adulte.
Soulier de bal en 1800
Lithographie. 20 x 28 cm. Papier Yupo. 2020
«Soulier de bal en 1800 » est une illustration en noir et blanc d’une chaussure vintage à talons hauts. La chaussure présente un nœud proéminent à l’arrière près du haut du talon et des motifs floraux complexes décorant le devant et les côtés. Les détails sont rendus avec une combinaison de zones noires unies et d’ombrages détaillés, donnant à la chaussure un aspect texturé et orné. Le style suggère un mélange d’élégance classique et de détails artistiques, créant une pièce visuellement intéressante.
Cette pièce s’inspire de la tradition du bal de fin d’année, une étape formatrice symbolisant la transition vers l’âge adulte. L’inspiration derrière cette œuvre vient du conte intemporel de Cendrillon, plus précisément du moment où elle perd sa chaussure à minuit. En illustrant une chaussure de balle de différentes époques remontant aux années 1500, j’ai voulu mettre en avant le caractère durable du ballon, véritable rite de passage marquant le passage à l’âge adulte.
La mariée
Collagraphie, 7.5 x 10 cm, 2018
Cette figure féminine, dont la présence éthérée est enveloppée dans un voile de mariée, se révèle être une sirène, la partie inférieure de son corps se transformant harmonieusement en queue. Grâce à un mélange d’abstraction et de figuration, cette œuvre mêle fantaisie et mythologie, offrant une image saisissante et évocatrice qui résonne d’un sentiment d’émerveillement.
Au cœur du jardin
Broderie à la main et à la machine sur papier. 15 x 11 po / 38 x 29 cm. 2023
Le mélange de masculinité et de féminité suscite des discussions engageantes sur les rôles de genre et la vulnérabilité émotionnelle. En utilisant un mélange de modèles vivants et de papiers japonais, j’ai créé une pièce visuellement stimulante avec une palette de couleurs sobres et des accents dorés sporadiques pour une touche d’élégance. La broderie complexe ajoute une qualité tactile, invitant les spectateurs à explorer les détails de près.
Si Épiméthée n’avait pas eu de frère…
Dessin encre de Chine marouflé sur panneau avec encaustique et fil à broder et métallique , 22.8 x 30.5 cm, 2018
crédit photo: Cesar Vianna
Cette œuvre à l’encaustique, intitulée « si Épiméthée n’avait pas eu de frère », s’inspire du mythe grec d’Épiméthée et de Prométhée. Chargé par les dieux de distribuer les qualités et les dons physiques entre les êtres vivants lors de la création du monde, Épiméthée a oublié de bien subvenir aux besoins des humains, les laissant nus et sans défense. Dans le but de corriger l’erreur de son frère, Prométhée a volé les secrets du feu et des arts à Héphaïstos et à Athéna. Si Épiméthée avait pris soin des humains, nous aurions pu ressembler à ceci… Merci, Prométhée.
Mes fileuses
Mon projet Mes fileuses est constitué d’œuvre brodées principalement à la main, mais aussi à la machine, sur du papier Fabriano de 28 x 20 po. Chacune représente un personnage féminin de la mythologie grecque relié au thème du fil : Ariane, Pénélope et Arachné.
Ariane se tient seule à l’entrés d’un labyrinthe numérique et tient Thésée au bout du fil de ses réseaux sociaux.
Arachné est condamnée à survivre en filant sans cesse pour attirer des proies dans sa toile. De même, on peut passer la majeure partie de sa vie dans le web, pris au piège de devoir fabriquer sans cesse du contenu nouveau pour attirer des likes.
Pénélope, avec sa ruse et sa patience, construit sur son métier à tisser la trame sur laquelle le code binaire émergera, prélude au monde informatique qui submergera la société.
Ces trois femmes ont utilisé le fil pour prendre une part active dans leur destin. Elles ont refusé de se confiner à l’espace de témoin que la société s’attend d’elles; avec des résultats différents : l’une est récompensée par un abandon, l’autre est punie en étant transformée en araignée et la dernière est victorieuse car son stratagème a duré assez longtemps pour qu’Ulysse revienne chez lui.
Exposition:
Espac.es témoins. L’Écart, lieu d’art actuel, Rouyn-Noranda, QC, Canada. 2023
Mélusine
Collagraphie, gravure sur plexis et rehaut d’encres. 54 x 71 cm (21 x 28 po). 2021
Inspirée par la légende envoûtante et magnifique de Mélusine, une femme maudite pour se transformer en serpent de la taille aux pieds chaque samedi, l’œuvre explore les thèmes des identités cachées, de l’amour et de la transformation. L’histoire à la fois douloureuse et stimulante de Mélusine, son esprit éternel enfermé dans la forme d’un serpent, invite les spectateurs à réfléchir à la complexité de la nature humaine et aux mystères du monde dans lequel nous vivons. Le haut du corps de Mélusine est représenté dans un style de croquis monochromatique, dégageant un sentiment de réalisme détaillé. Assise gracieusement, sa forme humaine est délicate. Au fur et à mesure que nos yeux descendent, la transformation s’opère. La moitié inférieure de son corps se transforme en une queue de poisson vibrante ornée de teintes terreuses de brun et de jaune, conduisant à une nageoire verte. Cette composition reflète la double nature de Mélusine, à la fois femme et fée, humaine et animale, amante et mère. À travers cette œuvre, j’ai cherché à capturer non seulement une histoire, mais l’essence de la transformation et la beauté envoûtante des héritages mythiques.
Sur quel pied danser…
Lithographie sur papier Yupo, 28 x 43 cm, 2019
« Sur quel pied danser ? » est une représentation monochromatique d’une figure humaine. Le personnage se tient debout, voûté, la tête baissée et les bras levés pour couvrir le visage. Elle est vêtue d’un pull blanc, d’un short noir et de bottes noires jusqu’aux genoux. Curieusement, son pied gauche se transforme en racines, symbolisant un lien profond avec la terre. Derrière sa tête, une zone de lignes densément chaotiques forme la texture d’un feuillage, évoquant un élan d’énergie ou d’émotion. Cette pièce transmet un sentiment de solitude en capturant un moment de trouble intérieur et de réflexion.
Advienne que pourra
Collection privée. Acrylique sur papier marouflé sur panneau de bois. 41×30.5 cm. 2018
crédit photo: Cesar Vianna
Grande et fière, cette figure humanoïde surréaliste et fantastique avec des cornes en forme de bélier dépassant de sa tête est un spectacle à voir. Avec une peau pâle et un visage orné d’un maquillage audacieux, ce personnage dégage un sentiment de mystère et de puissance. Vêtue d’un haut vert sans manches orné de détails dorés et d’un bas vert olive foncé, la silhouette prend une pose dynamique, comme si elle était prise en pleine danse dans la vaste étendue cosmique. Les étoiles scintillent sur le fond bleu profond, créant un sentiment d’apesanteur et de transcendance.
Inspirée par le moment où Gaia, la déesse grecque primordiale de la Terre, a nourri notre planète dans un nid, cette œuvre capture la crainte et la magie de la création. Les détails complexes et la composition surréaliste invitent les spectateurs à se plonger dans un monde onirique où tout est possible.
Réflexions épineuses
Dessin fusain rehaussé de flocons d’argent et de broderie sur papier. 18 x 12 po / 46 x 30 cm. 2024
Réflexions épineuses est un dessin au fusain rehaussé de feuilles d’argent et de broderies. La pièce représente un homme barbu à l’expression contemplative, les yeux légèrement baissés. Il a des sourcils proéminents et une barbe épaisse qui a été soigneusement détaillée pour montrer sa texture. Une couronne d’épines repose sur sa tête. La main droite de l’homme est levée vers sa poitrine, les doigts effleurant doucement sa barbe. La palette de couleurs limitée de tons terre et de nuances de gris donne à la silhouette une apparence sombre. Le fond est texturé avec une qualité métallique réfléchissante, contrastant avec la finition mate des contours ombrés de la figure. L’œuvre possède une résonance brute et émotionnelle, soulignant l’humeur pensive du personnage.
CENDR-1-ON
Collagraphie et gravure à la pointe sèche. Papier Arches 88. 2020. 56 x 36 cm. crédit photo @Violaine Lafortune
La figure projette une aura abstraite et quelque peu robotique, accentuée par des détails mécaniques et des épaisseurs de trait variées pour atteindre différentes profondeurs. L’encre noire sur fond blanc offre un contraste dramatique et convaincant, améliorant l’impact visuel de l’œuvre d’art.
Inspirée par les thèmes du transhumanisme, cette pièce explore les dualités de l’intégration homme-machine, explorant la frontière ténue entre bénéfice et malédiction, et libération contre esclavage. Le nom CENDR-1-0N fait intelligemment référence à Cendrillon, faisant allusion au rôle de la figure en tant qu’entité de travail. La touche ludique du titre, similaire à la nomenclature des logiciels, ajoute une couche supplémentaire de sens, fusionnant l’histoire des contes de fées avec des thèmes technologiques modernes.
Nu lumineux
Papier BFK Rives, 76 x 56 cm, 2018
« Nu lumineux » est un exemple de représentation minimaliste et abstraite, capturant l’attrait de la forme humaine dans un repos sensuel. L’œuvre est définie par des lignes légères et fluides qui tracent les contours de la silhouette nue avec une précision délicate. De doux lavis de couleurs dans des tons de gris et de beige imprègnent la silhouette d’ombres et de profondeur subtiles, créant un équilibre harmonieux entre simplicité et détail. Le fond est volontairement épuré, laissant résonner l’élégance du sujet avec pureté et raffinement. Ce style minimaliste mais expressif se concentre sur l’essence de la forme humaine, la présentant d’une manière sobre mais évocatrice qui invite à une contemplation tranquille. Inspiré par l’allure chatoyante des draps dorés et une pose sans vergogne, aboutit à une œuvre d’art qui capture la vulnérabilité intime de son sujet.
Résille et draps bleus.
Croquis de modèle vivant. Encre et fusain sur papier Arches 88.
56 x 78 cm.
2018
Ce croquis expressif capture une silhouette nue agenouillée dans des tons monochromes, accentués par des lignes sombres fluides et des lavis gris doux pour suggérer des ombres et du volume. Orné d’une coiffe en résille, le personnage se penche en avant sur un tabouret drapé de tissu bleu vif. Cette pièce capture un style expressif et expansif, mettant l’accent sur la posture et la forme de la silhouette plutôt que sur la précision anatomique. La composition globale évoque un sentiment de contemplation intime et d’équilibre délicat.
Ensembles pour l’éternité
Collage numérique imprimé sur papier de qualité artistique. 18 x 18 cm (7 x 7 po) 2021
Au centre de l’œuvre se trouve une figure humanoïde tenant tendrement une créature au corps ressemblant à celui d’un paresseux, mais ornée de bras humanoïdes et d’un cerveau exposé, finement attaché à une structure squelettique métallique à la place d’une tête d’animal typique. Le visage stylisé de l’humanoïde, avec ses ombres et ses reflets saisissants, lui donne une apparence légèrement robotique, ajoutant à l’esthétique d’un autre monde. Inspirée de réflexions sur le transhumanisme et l’enfance, cette pièce postule que les futurs enfants rechercheront également la compagnie des animaux, bien que sous une forme encore inimaginable.
Ma parure est intérieure
Collection privée. Acrylique sur toile. 76 x 61 cm. 2018
crédit photo: Cesar Vianna
Une femme vêtue d’un haut rouge vif, au visage serein et contemplatif, est représentée de profil à gauche de l’image. Ses cheveux sont soigneusement coiffés dans un chignon élaboré enveloppé d’un tissu bleu et jaune, lui conférant une allure presque royale. À droite, un paon majestueux déploie son plumage, révélant des plumes irisées aux teintes de bleu et de vert avec les caractéristiques « yeux » sur les plumes. L’ensemble dégage une impression de beauté tranquille et d’élégance naturelle.
S’inspirant de la mythologie grecque, l’œuvre illustre une légende rendant hommage à deux personnages principaux: Héra et Argos. Selon cette légende, Héra, jalouse de Io, une nymphe courtisée par Zeus, confia la garde de la nymphe à Argos, un géant possédant cent yeux. Pour célébrer sa fidélité, Héra décide de placer les yeux d’Argos dans la file de son oiseau préféré, le paon, symbole de lumière et d’immortalité. Cette légende ajoute une dimension supplémentaire à l’œuvre, invitant à une interprétation poétique de la scène présentée.
Mélancolie pensive
Papier Somerset, 56 x 76 cm, 2018
Cette pièce minimaliste et monochromatique d’une figure féminine est rendue dans des tons de gris et de noir, à l’aide de coups de pinceau larges et fluides. Le personnage se tient de profil, tourné vers la gauche, la tête légèrement inclinée et les mains couvrant son visage dans un geste qui suggère la contemplation ou le chagrin. Elle est représentée portant des vêtements simples et des bottes hautes. La simplicité et la liberté du coup de pinceau confèrent à l’œuvre une qualité expressive et émotive, attirant l’attention sur la posture et l’ambiance générale du personnage. L’arrière-plan est laissé vide pour se concentrer uniquement sur le personnage et son geste. Cette œuvre d’art a été inspirée d’un modèle vivant et créée de manière unique à l’encre.
Nu à la chaise bleue.
Encre sur papier Arches 88.
78 x 56 cm.
2020
Cette pièce est une exploration contemplative de la forme et de la subtilité, exprimée à travers une esquisse minimaliste mais intentionnelle d’une figure féminine nue. Ce croquis présente une figure féminine nue, assise gracieusement, un bras posé sur une chaise bleue et l’autre main serrant un drap jaune. Le visage abstrait et sans relief attire l’attention sur les formes et la posture du corps. Cette pièce est destiné à communiquer un sentiment de calme et d’introspection à travers une œuvre d’art qui semble à la fois inachevée et complète.
Couler dans le bleu.
Encre de chine sur papier Arches 88
56 x 78 cm.
2020
Cette peinture exquise présente une silhouette allongée ornée de sous-vêtements noirs, représentée avec une approche minimaliste qui met l’accent sur l’élégance de la simplicité. » Couler dans le bleu » n’est pas seulement une pièce visuelle mais une expérience sensorielle. C’est une invitation à s’immerger dans un calme serein et un silence réfléchi, faisant écho aux moments intimes que l’on passe avec ses pensées au milieu de l’étreinte de la couleur bleue.
Rousse aux draps bleus.
Encre sur papier Arches 88.
56 x 78 cm.
2018
Cette pièce représente une silhouette allongée rendue dans des tons sourds de gris et de brun. La silhouette, définie par des coups de pinceau expressifs, est suggérée par les ombres et les contours du corps, créant une présence évocatrice et émotionnelle. L’un de ses attributs les plus frappants est la tête, ornée de masses tourbillonnantes de rouge et de brun, indiquant des cheveux roux. Le corps allongé et légèrement abstrait est accentué de lignes noires soulignant la forme d’un drap bleu.
L’arrière-plan minimaliste, largement laissé vide, garantit que l’attention reste concentrée sur le sujet central. Le style général est lâche et expressif, mettant l’accent sur la fluidité de l’encre, résultant en un mélange de simplicité et de profondeur.
Âme ciblée
Broderie sur papier. 46 x 30 cm / 18 x 12 po. 2024
Cette œuvre d’art colorée représente un individu chauve avec des yeux perçants, des sourcils définis, ainsi qu’un nez et des lèvres proéminents peints en rouge vif. Le sujet est orné de motifs géométriques et de symboles en forme de cible sur le côté gauche de sa tête, créant un contraste saisissant avec les tons sobres de sa peau et de son débardeur rayé. « Âme ciblée » est une exploration de la vulnérabilité et de la force, capturant l’essence de se sentir exposé et pourtant résolue. Les détails complexes et les couleurs vives de cette pièce évoquent une sensation de profondeur et d’émotion, ce qui en fait un ajout vraiment unique et fascinant à toute collection d’art.
La Phoenix
Acrylique sur papier marouflé sur panneau de bois. 36 x 46 cm, 2018
crédit photo: Cesar Vianna
Cette pièce représente une figure nue avec des cornes proéminentes et une présence puissante. Le personnage symbolise le mythique oiseau phénix, connu pour sa capacité à renaître de ses propres cendres. L’œuvre d’art incarne le thème du renouveau et de la transformation, avec la figure forte et résiliente, incarnant l’idée de renaître de ses cendres. La transition entre les tons froids et chauds crée un contraste dynamique. L’esthétique globale incarne un style expressionniste qui met l’accent sur l’intensité émotionnelle et le contenu symbolique.
Je n’accoucherai plus par là…
Dessin encre de Chine marouflé sur panneau de bois avec encaustique, 28 x 36 cm, 2018. Collection privée.
crédit photo: Cesar Vianna
Cette peinture représente une représentation abstraite d’une figure humaine, principalement dans des tons de beige, de gris et de jaune doré avec des accents rouges et noirs contrastants.
L’inspiration derrière cette œuvre vient du mythe de Zeus donnant naissance à Athéna par la tête, représentée par la tête aux traits rouges et noirs qui symbolise sa fatigue et sa douleur; de là vient sa décision de ne plus accoucher par là. En effet, son prochain accouchement se fera par la cuisse! Le contenu de la pièce est souligné par un travail au pinceau expressif. Un aspect unique de la création de cette œuvre d’art consistait à travailler avec un modelage vivant et à utiliser de l’encaustique pour apporter de la texture à la pièce. Le résultat est une représentation moderniste et chargée d’émotion qui repousse les limites de la représentation traditionnelle.
Amis pour toujours
Collage numérique imprimé sur papier de qualité artistique. 18 x 18 cm (7 x 7 po) 2021
« Amis pour toujours » est un collage numérique qui explore le concept de transhumanisme et ses implications pour les générations futures. Cette pièce surréaliste présente une figure humanoïde centrale – mi-garçon, mi-machine – avec un visage stylisé ressemblant à une statue dorée et un torse vêtu d’un pull. Le bas de son corps se transforme en composants robotiques complexes. Dans ses bras, il berce un paresseux dont le cerveau et le cou sont mécanisés, contrastant fortement avec son corps organique recouvert de fourrure. L’arrière-plan est d’une teinte sarcelle unie, subtilement texturée avec des lumières douces, soulignant la fusion étrange d’éléments organiques et mécaniques. Cette œuvre d’art qui suscite la réflexion reflète un monde où même les animaux de compagnie des enfants s’étend jusqu’au royaume de l’artificiel.
Terre intérieure
Inspirée de la pièce « Habiter les terres », cette œuvre incarne le concept d’habiter son intérieur. Il explore la dualité de la nature humaine et le cycle constant de la vie, invitant les spectateurs à réfléchir sur leur propre voyage à travers leur monde intérieur. Ce qui distingue « terre intérieure », c’est sa conception et sa construction uniques. La structure circulaire, montée sur un socle qui lui permet de tourner à 360 degrés, crée une sensation de mouvement et de fluidité. Les personnages sur papier blanc se déplacent le long de fils de cuivre, ajoutant un élément dynamique à la pièce.
Matrice de collagraphie montée sur socle tournant, matrice de linogravure en périphérie, matrices de lithographie sur plaque de polyester se déplaçant sur fil de cuivre, peluche ayant servi pour imprimer. Le spectateur est invité à tourner l’oeuvre et voir se déplacer les personnages sur le dos de l’ours.
Crédits photos: Dany Chouinard
Expositions:
Matrices …d’elles-mêmes. Centre d’exposition d’Amos, QC, Canada. Commissaire : Yolaine Lefebvre. 2019
Matrices… d’elles-mêmes. Centre d’exposition de Val d’Or, QC, Canada. Commissaire : Yolaine Lefebvre. 2018 |
Boxeur amélioré
Linogravure et lithographie. Arches 88 papier. 2020. 56 x 36 cm. crédit photo @Violaine Lafortune.
Cette pièce représente une figure humaine accroupie. Stylisée avec des lignes noires et blanches, la composition crée un motif complexe qui définit la forme du corps. Cette alternance de segments blancs et noirs injecte une sensation de mouvement et de fluidité à l’ensemble. L’ensemble de l’œuvre marie précision géométrique et éléments organiques, créant une harmonie entre l’artificialité mécanique et l’organique humaine. Cette fusion symbolise l’exploration du transhumanisme, avec l’ajout de pièces robotisées dans le but d’améliorer l’humain – ici représenté par une main de robot réalisé en lithographie intégrée dans un homme boxeur gravé en linogravure.
Animatronic
Gravure pointe sèche et linogravure. Papier Arches 88. 36 x 56 cm. 2020. crédit photo @Violaine Lafortune
La pièce présente une figure humanoïde stylisée avec une tête robotique marquée par des dents pointues et menaçantes. Le corps allongé et poilu, ressemblant à un animal, porte un foulard autour du cou. Ses pieds sont équipés de roulettes, et sa main gauche visible est composée de pièces mécaniques. Ce mélange de formes organiques et synthétiques crée un récit visuel qui suscite la réflexion. La tête aux dents pointues symbolise la peur souvent associée à de telles entreprises futuristes.
Inspirée par l’exploration du transhumanisme, l’œuvre plonge dans les émotions et les inquiétudes complexes associées à la fusion de l’homme et de la machine.
Pénélope
Assemblage et Broderie à la main et à la machine sur papier Artistico. 71 x 51 cm. 12-2023
Plongez dans l’univers mythologique de Pénélope, une figure emblématique de la patience et de la ruse dans la mythologie grecque. Cette œuvre en techniques mixtes combine subtilement textiles et broderies pour créer une composition figurative riche en détails. Une femme élégante, aux traits distinctifs, est au centre de l’image, vêtue de robes victoriennes richement ornées. À ses côtés, un élément abstrait évoque un métier à tisser, avec une silhouette brodée d’une main qui tisse, symbolisant à la fois l’artisanat traditionnel et les thèmes contemporains féministes.
L’utilisation habile de différents tissus et techniques de couture confère à cette pièce une dimension tactile, invitant le spectateur à plonger dans une histoire riche en interprétations. Une alliance unique de méthodes traditionnelles de création féminine et de réflexions actuelles sur la place de la femme dans la société moderne. Une œuvre qui captivera l’imagination et éveillera la curiosité de chacun.
La Dame de la fontaine
Collagraphie et pointe sèche, 40 x 50 cm, 16 x 26 po, 2021
La figure, rappelant à la fois un humain et un insecte, évoque l’image d’une fée mystique ou d’un être mythique. Avec une palette monochrome rehaussée de verts subtils, la pièce tente de capturer une qualité délicate et éthérée. L’inspiration derrière cette pièce est un hommage au conte énigmatique de Mélusine et une célébration de la danse éternelle entre le vu et l’invisible, l’humain et le mythique.
Tarzan 3.0
Collagraphie et linogravure. Papier Arches 88. 2020. 56 x 36 cm. crédit photo @Violaine Lafortune.
Cette pièce est une esquisse monochrome d’une silhouette humaine dans une pose réflexive. Le bras droit est levé avec la main posée sur la tête, et le bras gauche s’étend vers le bas, se terminant par une structure en forme de griffe. Le visage de la figurine est remplacé par un écran affichant un tracé de moniteur de rythme cardiaque, ajoutant une touche surréaliste. Le corps est détaillé avec des contours musclés, soulignant la force, et l’ensemble de l’œuvre a une qualité rugueuse et texturée qui intensifie l’image.
Inspirée du concept de transhumanisme, cette pièce explore les dualités complexes entre l’humain et la machine. La tenue vestimentaire du personnage évoque le légendaire Tarzan, d’où son titre. Le « 3.0 » signifie la dernière itération d’une fusion homme-robot, soulignant la nature évolutive de ces hybrides.
Le processus de création mélange de manière unique les techniques ; les éléments humains sont fabriqués par collagraphie, tandis que les pièces mécaniques sont réalisées par linogravure, symbolisant la fusion de l’artisanat organique et technologique.
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Module d’extension de Sainte Colette ( Plug in)
Huile sur panneau de bois, 61 x 91 cm ( 24 x 36 po), 2022, crédit photo: Nathalie Toulouse
Module d’extension de Sainte Colette est une peinture captivante qui mélange les attributs de Sainte Colette – le puits, les poules et les œufs – avec le concept de transhumanisme. Le titre fait allusion au transhumanisme : le module d’extension (ou plug-in) est l’œuf qui réalise le désir reproductif du couple transhumain. L’œuvre invite les spectateurs à explorer la relation entre les humains et les animaux d’une manière unique et stimulante, en mélangeant des éléments de l’architecture urbaine en arrière-plan. Il suscite de multiples interprétations sur le mélange de l’ordinaire et du fantastique dans le contexte du transhumanisme.
Piégée dans l’anxiété
Broderie sur papier. 46 x 30 cm / 18 x 12 po. 2024
Cette pièce est une exploration personnelle des émotions et des luttes, représentée à travers une figure féminine stylisée empêtrée dans une structure en forme de toile.
L’œuvre présente une pose dynamique, avec la silhouette étendant son bras et se penchant en arrière, son expression étant un mélange de contemplation et de détresse. Ses cheveux flottants ajoutent du mouvement à la scène, tandis que sa tenue composée d’un haut doré et d’une jupe bleue à motifs, ornée d’une ceinture bleu foncé, ajoute une touche d’élégance à la composition.
News
Première impression
Exposition des finalistes du Prix Albert-Dumouchel pour la relève en arts imprimés
Pièces détachées
La chimère est un animal fabuleux de la mythologie grecque. Les chimères sont des êtres réunissant des cellules issues de deux origines différentes. Comment sommes-nous passés de l’Une aux autres? Pièces détachées porte un regard sur la moralité de certaines manipulations génétiques et interroge les risques de dérapages éthiques, comme la commercialisation de matériel biologique.
LE NOIR DE L’ENCRE
Mes automates. Homme-machine, bienfait-malédiction, libération-asservissement : le noir de l’encre amène à approfondir ces dualités. Des impressions assemblant techniques et encres noires sur le papier blanc témoignent de mes tentatives pour donner forme et vie à un futur possible. Le substrat, au lieu de métal, est de papier. L’encre fusionne les matériaux entre eux et les anime. Le noir porte le poids de la peur et de l’espoir.